Anastasia

Ciao a tutti, sono Laura.
Capita spesso di imbattersi in immagini che rimangono nella memoria visiva di un’intera generazione senza che si riesca a comprenderne fino in fondo la natura inquieta ed è ciò che mi accade ogni volta che penso all’incipit di Anastasia, a quella sala da ballo illuminata dai lampadari di cristallo dove i fantasmi della famiglia Romanov danzano sulle note di un valzer malinconico. Un’inquadratura di una bellezza quasi ipnotica che riesce a nascondere, sotto lo strato rassicurante del racconto fiabesco, uno dei traumi politici e umani più violenti del Novecento. Rivedendo di recente il lavoro straordinario condotto da Don Bluth e Gary Goldman nel 1997, spogliandomi il più possibile della nostalgia infantile, quello che ho trovato è un’opera profondamente spaccata in due, un lungometraggio che rappresenta uno degli esperimenti più affascinanti e anomali di tutta la storia dell’animazione occidentale.
Da una parte insiste l’eredità estetica della Fox Animation, che tenta l’azzardo di sfidare l’egemonia Disney sul suo terreno d’elezione, ovvero il musical d’epoca con una principessa in cerca di riscatto. Dall’altra affiora una materia narrativa vischiosa, cupa e intrinsecamente tragica, poiché la storia vera non concede sogni o lieti fini consolatori, eppure l’animazione d’autore sceglie di percorrere la strada del mito per trasformare una ferita collettiva in un viaggio di formazione personale. La forza di Anya non risiede nel suo titolo nobiliare perduto, ma nella sua condizione radicale di apolide all’interno di una Russia post-rivoluzionaria grigia, gelida e privata di ogni punto di riferimento. Quando la incontriamo all’uscita dell’orfanotrofio, non ha un passato da rivendicare, ma soltanto una medaglietta e un’intuizione vaga legata a Parigi ed è proprio questa assenza originaria di identità a consegnarci un personaggio incredibilmente moderno per gli anni Novanta. Non c’è in lei la rassegnazione passiva delle eroine di fiaba, quanto una determinazione quasi proletaria nel voler forgiare il proprio futuro, un tratto che la isola nettamente dalle figure principesche a cui il pubblico dell’epoca era abituato.
Il vero baricentro emotivo e tematico dell’opera non si esaurisce nella rivelazione della stirpe regale, ma si alimenta del rapporto con Dimitri, una dinamica che rifiuta la sottomissione o il salvataggio unilaterale per innescarsi attraverso uno scontro continuo di classe e di prospettive. Il pragmatismo del giovane truffatore si scontra e si amalgama con la dignità fiera di un’emarginata che rifiuta categoricamente di farsi calpestare. Don Bluth applica una regia rigorosamente teatrale, carica di ombre e di angolazioni espressionistiche, in cui le scenografie di San Pietroburgo restituiscono un senso di rovina incombente, riducendo la grandezza del passato imperiale a macerie coperte di neve.
Arriva poi l’aspetto più controverso del film, quello che continua a dividere gli spettatori a distanza di decenni: l’ingresso in scena del soprannaturale attraverso la figura di Rasputin, concepito come un monaco sfigurato e ricoperto di piaghe, relegato in un limbo spettrale insieme a un pipistrello albino. Questa scelta svuota la rivoluzione russa di qualsiasi coordinata politica o sociale, addossando l’intera caduta dell’impero alla maledizione di un singolo individuo corrotto dal risentimento. Eppure, osservando la sequenza parigina, il contrasto stilistico diventa abbagliante: la regia abbandona la cupezza oppressiva di San Pietroburgo per spalancare le porte a una Parigi idealizzata, un’esplosione di colori pastello, moda, arte e architettura che sembra strappata direttamente dalle tele degli impressionisti. Non si sta filmando una città reale, ma l’idea stessa di libertà e reinvenzione che l’Occidente ha proiettato su quegli anni, trasformando la capitale francese nel territorio in cui l’identità cessa di essere una prigione ereditaria per farsi scelta autonoma.
La resa dei conti finale sul ponte di Alessandro II dimostra come il film regga proprio grazie alla sua natura ibrida, capace di cucire insieme il dramma gotico della distruzione di una dinastia e la leggerezza di una commedia romantica hollywoodiana. Anya non sconfigge Rasputin invocando la grazia regale o un diritto di sangue, ma spezzando la fonte del suo potere con la forza bruta, chiudendo definitivamente i conti con quel passato spettrale che non aveva mai smesso di perseguitarla. Anastasia rimane un oggetto cinematografico unico perché ha avuto il coraggio di essere imperfetto, oscuro e scandalosamente romantico in un’epoca in cui l’animazione stava iniziando a irrigidirsi dentro formule rassicuranti, dimostrando che si poteva parlare di perdita, rimozione e ricerca di sé anche attraverso i codici del grande spettacolo pop.
Vorrei capire come avete vissuto questa commistione tra il dramma storico e la deriva fiabesca e se secondo voi la scelta di affidare il male a una maledizione fantastica abbia svuotato la tragedia o l’abbia resa l’icona che portiamo dentro ancora oggi.
Ne parliamo nei commenti perché, come sempre, non aspetto altro che un vostro riscontro.

Laura